Decompor

Reviver o passado

2006-05-10T13:54:00.000+01:00

O ZKM é um centro de arte e media situado na cidade de Karlsruhe. Durante a guerra neste edifício funcionava uma fábrica de munições. À entrada do centro há um placa que relembra as vitímas que aqui trabalharam e que muitas vieram a morrer.

Hoje mesmo encontram-se em frente a esta placa alguns sobreviventes da Ucrânia que foram deportados e forçados a trabalhar nesta fábrica. Alguns já quase não podem andar, mas vieram aqui, provavelmente uma última vez, para que o passado seja lembrado. Que não volte a acontecer. Pelo menos, até nos voltarmos a esquecer.

L.

4'33'' em video

2006-04-27T17:45:00.000+01:00

Musica regional

2006-04-26T16:59:00.000+01:00

Dando uma olhada pelo programa da próxima temporada de concertos do IRCAM reparo que a obra Salut für Caudwell de H. Lachenmann terá a primeira apresentação francesa. Não será certamente a obra mais importante de Lachenmann, mas não deixa de ser curioso que uma obra de um dos mais importantes compositores alemães tenha a sua estreia em França passados quase 30 anos da primeira execução.

Por outro lado, compositores frequentemente apresentados no IRCAM como Yan Maresz, Lindberg, Riccardo Nova, Mauro Lanza (entre outros) são praticamente desconhecidos na Alemanha. Isto advém do facto de a Alemanha e a França serem Países que apoiam fortemente a produção de novas obras.

Para um País importador de produções, como é o caso de Portugal (embora nos últimos anos se tenha invertido esta tendência), tal facto pode passar despercebido, o que conduz a alguns equívocos. A globalização da cultura, de que tanto se fala, parece tornar-se numa espécie de nova utopia

L.

Essen - 2010

2006-04-13T18:51:00.000+01:00

Essen foi escolhida para capital europeia da Cultura em 2010 juntamente com Istambul e Pécs (Hungria). De facto, este acontecimento pode fazer muito pela cidade, um pouco adormecida depois dos anos de crescimento ligados à extração de carvão em todo o Ruhrgebiet. Infra-estructuras há que chegue. Só para se ter uma ideia: em toda a região do Ruhr vivem cerca de 10 milhões de pessoas! Facilmente acessíveis por comboio estão as salas de concerto em Essen, Dortmund, Bochum, Gelsenkirchen, Duisburg, Düsseldorf, e outras cidades mais pequenas (cada uma com uma orquestra sinfónica, e algumas com uma casa de ópera) - para não falar de Colónia (um pouquito mais longe).

Faz parte da candidatura o ambicioso projecto de apresentar o ciclo de Stockhausen LICHT... sim, é verdade. Durante 7 dias será dado a ouvir o ciclo composto por 7 óperas (trata-se da estreia europeia) - uma para cada dia da semana. É uma oportunidade única. Lá estaremos... acho eu...

L.

Möbius strip

2006-04-13T18:44:00.000+01:00

Música-Ouvir-Apreender--Compreender-
Percepcionar-Fruir-Perceber-Escutar-
Música-Escutar

L.

A má notícia

2006-01-28T09:50:00.000Z

Leio no Público de ontem que o arquitecto Tomás Taveira foi nomeado para o conselho consultivo do IPPAR. A pergunta que me ocorre é: como é que alguém que foi expulso da Faculdade de Arquitectura de Lisboa pode ser nomeado para tal cargo?! É que, convenhamos, não se expulsa de uma universidade um professor Catedrático assim sem mais nem menos. No processo disciplinar que conduziu à sua expulsão ficou provado que o arquitecto pressionou outros professores para elevarem as notas do seu filho. Como é que alguém com uma conduta deste tipo pode ser nomeado para tal cargo?

Já nem digo nada sobre a estética que defende, nem sobre a sua sensibilidade em relação ao património – de resto, patente em cada uma das suas construções. Fica a ideia de que quanto pior, melhor.

Cronenberg again - a boa notícia

2006-01-28T09:41:00.000Z

A retrospectiva de Cronenberg na cinemateca é uma óptima notícia para quem vive em Lisboa. Do programa constam alguns dos primeiros filmes do realizador como Stereo e Crimes of the future. É nestas alturas que gostaria de estar em Lisboa...

(já agora: alguém me pode explicar porque razão o site da cinemateca só se pode visitar com o internet explorer!? Esta dependência microsoftiana faz-me confusão).

Intermitente...

2006-01-24T22:17:00.000Z

... é o ritmo a que este blogue regressa. A falta de tempo é muita. Mesmo assim, aqui fica uma contribuição para o aniversário que se comemora este ano. O momento é único!
Bom ano!

KAIROS

2005-12-11T10:46:00.000Z

A Diana chamou-me à atenção para os dois discos saídos recentemente na editora Kairos. De Sciarrino, "Quaderno di Strada" é uma das obras mais estimulantes que pude ouvir nos últimos tempos. É daquelas obras de Sciarrino em que nos perguntamos como é que com meios tão reduzidos - com os gestos típicos de Sciarrino, curtos e sempre interessantes do ponto de vista instrumental - consegue escrever música com tal densidade. Sciarrino escreve muito. Nem todas as suas obras têm o mesmo nível. Mas Quaderno di Strada é uma daquelas obras em tudo parece perfeito. Não há nem uma nota a mais nem uma a menos. Tive a oportunidade de assitir à estreia da peça no festival de Witten de 2005. Também na estreia tocou o Klangforum Wien com o barítno Otto Katzameier. E que cantor! Do ponto de vista técnico parece impossível fazer o que está escrito. Mas Katzameier canta-o com a mesma intensidade e musicalidadde de um Lied do repertório tradicional. Simplesmente deslumbrante. link

De Grisey, um disco com obras já editaddas noutras edições. A novidade são as obras Stèle e Charme. Creio que não existia ainda nehuma gravação destas peças. link

Autenticidade

2005-11-30T22:24:00.000Z

„Música desta clareza ("Jeux" e "Sommernachtstraum") era até aqui desconhecida no caso da música contemporânea...“.

Wolfgang Rihm sobre Mouvement de Helmut Lachenmann

Mestre(s)

2005-11-30T22:22:00.000Z

"Feldman is the one and only minimalist"
Gérard Grisey

Siringe

2005-11-24T23:01:00.000Z

"A siringe é um instrumento formado por muitas flautas, cada uma dessas flautas é uma cana; (...)

Mas a siringe não era, na sua origem, nem uma flauta, nem uma cana: era uma donzela muito bela, que excitava as paixões. Ora bem, Pã perseguia-a numa corrida de amor, mas um denso bosque acolheu a fugitiva. Pã, que vinha no seu encalço, estendeu a mão para a apanhar. Pensava tê-la apanhado e presa pelos cabelos, mas o que a sua mão realmente tinha apanhado era uma madeixa de canas. De facto, dizem que ela desapareceu na terra, e que a terra, no seu lugar, produziu canas. Então, Pã, cheio de cólera, cortou as canas, supondo que escondiam a sua amada. Mas como não conseguisse descobri-la e pensando que a jovem se tinha transformado num canavial, lamentou os golpes que fez, julgando que tinha morto a sua amada. Assim, tendo unido os pedaços das canas como se fossem os membros e reunindo-os num só corpo, tomou entre mãos os fragmentos das canas à medida que as beijava, e o sopro, penetrando nas canas através dos orifícios, produziu sons, e a siringe teve voz. "

Aquiles Tácio: Os amores de Leucipe e Clitofonte.

L.

Populismos

2005-11-20T22:32:00.000Z

Artigo do compositor escocês James MacMillan sobre o declínio do hábito de ouvir na Escócia. O problema escocês é certamente extensível ao resto da Europa. A questão da música "alta" e da música "baixa" volta a estar em cima da mesa.

The finished symphony

A estória continua aqui:

Composer's note of anger over music education, RICHARD GRAY

L.

Im-Klang-Sein

2005-11-16T19:54:00.000Z

O contributo de Sloterdijk para uma possível classificação das músicas do nosso tempo. Uma interessante abordagem da música actual e a que correspondem diferentes atitudes auditivas:

1) a autêntica nova música
2) a performance music
3) a música de entretenimento
4) a música funcional

Interessante é que Sloterdijk põe no mesmo saco a música dita clássica (a das regulares temporadas de concertos) e a música pop. De um certo ponto de vista servem os mesmo objectivos de entretenimento das massas. Música sedativa, diz Sloterdijk.

[L]

Vermalung

2005-11-04T21:26:00.000Z

Artigo (em Português) sobre Gerhard Richter a propósito da excelente exposição em Düsseldorf em Maio passado.

L.

Lachenmann: 70 anos

2005-11-04T11:52:00.000Z

No próximo dia 27 de Novembro o compositor Helmut Lachenmann celebra o seu 70° aniversário. As homenagens à sua obra têm-se sucedido pela Alemanha e fora dela. Chegou a vez da Folkwang Hochschule Essen dedicar um concerto ao "inventor" da música concreta instrumental. Mouvement (-vor der Erstarrung) (1982-84) para ensemble vai ser interpretada. É uma das obras de referência no catálogo de Lachenmann. O seu final, caracterizado pelo perpetuum mobile que atravessa todos os instrumentos, é uma das várias citações/evocações que atravessam a peça. Neste caso a evocação é a do final "grandioso" e virtuoso das obras românticas e clássicas. Na parte central surge a enigmática citação da canção popular "O du lieber Augustinus". Como em muitas outras ocasiões ao longo da sua obra esta citação não é reconhecível através da audição da peça. Da melodia original restam apenas o ritmo marcado na partitura como HS (Hauptstimme) e por sons sem altura definida nos instrumentos de sopro, percussão e cordas. Este aspecto, o da distanciação entre a génese da obra e o resultado final, é algo de controverso, pois conduz-nos à ideia de intimidade: a esfera privada, o imaginário e as associações do compositor por oposição ao que é de todos, ao universal. Mas esse é talvez apenas mais um dos aspectos que fazem a obra de Lachenmann tão interessante, polémica, provocadora. Possivelmente, como a de todos os grandes músicos.

Parabéns Sr. Lachenmann.

L.

PS: Ao João, que também faz anos no mesmo dia: Parabéns!!

A técnica e o novo academismo

2005-08-25T22:43:00.000+01:00

Recentemente tive a oportunidade de assistir a uma eloquente conferência no âmbito de um festival que reuniu todos os estúdios de música electroacústica alemães, bem com os estúdios de Basileia, Zurique e de Den Haag (*). O orador era precisamente deste último estúdio: Konrad Boehmer do Estúdio de Sonologia de Den Haag (outrora em Utrecht, o instituto tornou-se célebre, entre outros, devido ao trabalho de Gottfried Michael Koenig e a composição algorítmica). Boehmer é, para além de compositor, autor de numerosos artigos sobre composição, sobre estética, sobre música e política. Polémico e provocador mas ao mesmo tempo observador atento e crítico pertinente da situação da música actual, um dos seus artigos mais conhecidos tem o título de "Pensar a música anteontem ou Le Maître sans Marteau" (Musikdenken vorgestern oder Le Maître sans Marteau, in Musik-Konzepte H 100, IV/1998 (edition text + kritik) 5-30). A conferência – cuja transcrição foi agora publicada na revista NZM de Julho/Agosto (Neue Zeitschrift für Musik)– é uma crítica ao potencial academismo da música electroacústica. Uma velha questão especialmente pertinente neste contexto: a da técnica (neste caso tecnologia) versus pensamento musical. Boehmer fala da crescente complexidade dos “instrumentos” electrónicos e da prática impossibilidade de os compreender e controlar: “Quanto mais avançada é a técnica, mais o compositor está obrigado a se concentrar na organização técnica. O compositor tem, no entanto, apenas uma cabeça - se é que tem alguma.” Um aspecto que torna evidente o pensamento de Boehmer é o exemplo dos fractais. “Quando há cerca de 20 anos surgiu o fetiche dos fractais, saltaram imediatamente quintas e oitavas para a música electroacústica que soam como um “canto gregoriano progressivo“. Elevada e profunda tralha como cobertura da regressão estética.”

Todo o artigo põe em evidência a patente contradição entre a Ciência e a Arte personificada através da figura do acústico (segundo Pierre Schaeffer) e o músico; ambos ouvem o mesmo som mas os dois fazem-no de modos completamente diferentes. O cientista (o acústico) interessa-se pela redução do som em relação ao quantificável. O artista (o músico) classifica o som em relação ao seu potencial morfológico no contexto de uma obra.

O artigo termina com uma citação de Mann e um acrescento de Boehmer: <<“O artista é irmão dos criminosos e dos loucos” (e não do professor!)>>

Ainda Mann e Adorno

2005-08-20T20:56:00.000+01:00

"Não consigo descrever a alegria que o capítulo do Dr. Fausto sobre Beethoven exerceu sobre mim. Nunca antes fora escrito algo tão profundo e exemplar sobre Beethoven.”
Bruno Walter, carta a Katia Mann, dezembro de 1945

Outono em Essen

2005-08-19T22:11:00.000+01:00

Por aqui o Verão regressou há dois dias. É, com certeza, por pouco tempo. Normal por esta altura é o sol a espreitar e algum frio a atrever-se. As primeiras folhas de Outono já começaram a cair. Mas quando o Outono vier a sério não há nada que de comparável. A cor: vermelha, amarela, violeta e todas as outras impossíveis de descrever. E depois há o som. Do vento e das folhas.

Quem é que disse que a decomposição não é bela?

[LP]

Blogosfera

2005-08-17T15:53:00.000+01:00

Belo comentário este, o de José Mário Silva no BdE sobre o filme de César Monteiro "À flor do mar". O DVD fica na lista das compras a fazer. Compras essenciais à sobrevivência, bem entendido!
[LP]

tantas formas de dizer o mesmo...

2005-08-16T08:33:00.000+01:00

Sobre os artistas:
"Para fazer bem o trabalho, tem de ser-se completamente espontâneo e completamente consciente"
Bono

Adorno e Mann

2005-08-13T21:09:00.000+01:00

Ontem comemorou-se o 50° aniversário da morte de Thomas Mann. Por coincidência comprei há pouco tempo um livro com a correspondência entre Mann e Adorno entre os anos 1943 e 1955 (ano da morte de Mann). O livro trata a profícua troca de ideias sobre o Dr. Fausto. Mann gozou da companhia de Adorno e com ele se aconselhou sobre assuntos ligados ao personagem principal Adrian Leverkühn. Especialmente importante terá sido “A filosofia da nova música” na altura ainda não editado mas a cujo manuscrito Mann teve acesso. Foi também graças a Adorno que Mann conheceu a música de Alban Berg através do livro de Willi Reich para o qual Adorno contribuiu com alguns artigos. Um outro exemplo do aconselhamento de Adorno é o oitavo capítulo sobre a op. 111 de Beethoven e o seu estilo tardio (”Spätstil Beethovens”, Adorno).

Não deixa de ser interessante pensar no que teria sido o romance sem a colaboração de Adorno.

pessimismos - uma pequena nota política

2005-08-13T21:06:00.000+01:00

No PS: Fátima Felgueiras anda fugida da justiça no Brasil – o tal caso do saco azul - mas possivelmente será candidata nas próximas eleições à Câmara de Felgueiras.
No PSD: o Major, ainda sem saber se será ou não indiciado suspeito de delitos ligados ao futebol (Apito Dourado) é candidato à Câmara de Gondomar. Em Oeiras, Isaltino Morais anda a tentar explicar a conta (ou contas, não sei) na Suíça que escaparam ao fisco.
No PP: Avelino Ferreira Torres é suspeito de enriquecimento ilícito na Câmara de Marco de Canavezes – até tem um estádio com o seu nome.

Todos estas pessoas são candidatas nas próximas eleições autárquicas. Todos estes candidatos estão à frente nas sondagens.

Nem é uma questão ideológica - estão em causa três partidos diferentes. É muito mais profundo.

Pessimismo?

LP

1813-1888

2005-08-02T17:25:00.000+01:00

Interrompo mais uma vez o silêncio para uma pequena nota sobre um concerto que ouvi recentemente e onde foi tocado um compositor esquecido que viveu na obscuridade do seu isolamento: Charles Valentin Alkan. Contemporâneo de Chopin, chegaram a morar no mesmo prédio em Paris convivendo com Hugo, Delacroix, Sand, Dumas, Liszt. Para além de pianista virtuosíssimo, foi também um importante compositor de música para piano. Um dos seus propósitos como compositor foi escrever “a música mais difícil de tocar”. Com efeito, a música de Alkan soa por vezes a um Ferneyhough romântico, tal é o gosto pelo difícil. Mas o que o distingue mais dos seus contemporâneos é talvez o prazer na experimentação, no bizarro, no rítmo quase mecânico, aspecto visíveis desde logo nos títulos escolhidos: Os Caminhos de Ferro, Les omnibus ou Etude alla-barbaro (terá influenciado B. Bartók…?), ou ainda Pseudo-naïvete.

Curiosamente ao escrever este post descobri que Vianna da Mota publicou alguns dos estudos de Alkan, certamente através do contacto com Busoni. VIANNA DA MOTTA JOSÉ, Exercices de virtuosité : tirés des oeuvres de Charles Valentin Alkan : pour piano. [BnF Musique, Vm. Casadesus 000982]

Alguns links sobre Alkan em inglês, francês e alemão:

LP

Em tom de despedida

2005-07-30T22:40:00.000+01:00

Por razões várias, é cada vez mais difícil interromper o silêncio a que este blog se foi remetendo. A excepção resulta de um impulso do João Martins do Diário de Bordo e da Diana do Arte no Tempo. Aqui vai então a resposta ao mini-inquérito enviado pelo João.

Quantos Gigabytes tem de música:
Cerca de 7 GB. Para quem acreditar, direi que a maior parte da música que tenho em mp3 é cópia de cds que tenho em casa.

Último CD que comprou:
Um CD com o título de “Contemporâneos de Mozart”. É interessante a constatação de quanto daquilo que se ouve em Mozart é parte da norma, da tradição, do hábito musical da época.

Música tocando no momento:
Nenhuma. Não fazendo disso um dogma, não tenho por hábito ouvir música que acompanha qualquer coisa.

Cinco músicas que tenho escutado bastante:
Grande parte da música que ouço é em concerto. Não por resultado de uma profunda decisão contra o cd e a favor da música ao vivo. É apenas uma constatação. Muita da música que me interessa ouvir é feita em concerto. Ultimamente oiço pouca música em casa. A excepção corresponde a algumas obras que me acompanham sempre e que as revisito regularmente. Mas para que a resposta não fique demasiado abstracta direi que um dos compositores que tenho ouvido é o Scarlatti por Pogorelich, Häntai, Horowitz, Staier, Tipo. Beethoven é um dos de sempre.

LP

Pierluigi Billone

2005-05-28T08:44:00.000+01:00

Os instrumentos na minha mão são algo de desconhecido, totalmente misteriosos e por isso mesmo sem regras e sem voz ainda. (...)

Quando a música me encontra, então oiço e vejo, faço totalmente parte do todo com a boca, a mão, o corpo, o pensamento. Eu fico em sintonia/harmonia (ou não) com aquilo que na minha presença sucede. (...)

Excerto das notas de programa de TA.un Lied di meno

Durante o Festival de Witten pude ouvir a última peça de Pierluigi Billone, compositor italiano nascido em 1960. Billone domina com virtuosismo os modos de tocar dos vários instrumentos, as suas possibilidades e a sua aplicação no contexto específico de cada obra. A este facto não é estranho o seu percurso como aluno de Salvatorre Sciarrino em Itália e de Helmut Lachenmann em Estugarda. Destes compositores apreendeu a sensibilidade para o som, o cuidado com os eventos separados pelo silêncio, a atenção ao singular, e um toque de necessária subversividade.

A rádio WDR transmite no próximo dia 1 de Julho às 19:00 (em Portugal) a gravação da concerto da estreia. Suspeito que a qualidade da transmissão e da gravação, tendo em conta a especificidade da peça nomeadamente da predominância dos sons graves, fiquem bastante aquém daquilo é dado a ouvir ao vivo. De qualquer modo aqui fica a ligação para uma primeira impressão da música de Billone.

Rádio WDR

Excerto de Mani.Long

Peter Ablinger – A fotografia e o sample (8)

2005-05-01T22:17:00.000+01:00

Infelizmente, tenho que confessar: no início era a inveja. A inveja da pintura. Determinados métodos da pintura parecem-me ser inacessíveis à composição musical. Principalmente a apropriação da realidade e a mimesis. A inexpugnável barreira é e será a pintura fotográfica realista, a reprodução fotográfica de um modelo com os meios tradicionais, o pincel, a cor, a tela. A fotografia no domínio do som corresponde na verdade à sua gravação. No entanto, uma reprodução realística dos instrumentos tradicionais de orquestra é inatingível, devido à estrutura interna dos sons instrumentais. Os instrumentos só se podem reproduzir eles próprios.

(…)

Die Quadraturen

Peter Ablinger – Ainda Ablinger (7)

2005-05-01T22:14:00.000+01:00

One of it's pieces, the "Schaufensterstück", is an interactive real-time version: a microphone picks up input outside, the piano realizes this input inside in real-time.

LP

a ”apoteose da arte”

2005-05-01T20:06:00.000+01:00

Thomas Mann

o homem ”do verdadeiro, bom e belo”

2005-05-01T20:05:00.000+01:00

Goethe

o "grande escritor genial"

2005-05-01T20:03:00.000+01:00

Höderlin

1759-1805 - Friedrich Schiller

2005-05-01T20:00:00.000+01:00

Die Gunst des Augenblicks.

Und so finden wir uns wieder
In dem heitern bunten Reihn,
Und es soll der Kranz der Lieder
Frisch und grün geflochten sein.

Aber wem der Götter bringen
Wir des Liedes ersten Zoll?
Ihn vor allen laßt uns singen,
Der die Freude schaffen soll.

Denn was frommt es, dass mit Leben
Ceres den Altar geschmückt?
Daß den Purpursaft der Reben
Bacchus in die Schale drückt?

Zückt vom Himmel nicht der Funken,
Der den Herd in Flammen setzt,
Ist der Geist nicht feuertrunken,
Und das Herz bleibt unergötzt.

Aus den Wolken muss es fallen,
Aus der Götter Schoß, das Glück,
Und der mächtigste von allen
Herrschern ist der Augenblick.

Von dem allerersten Werden
Der unendlichen Natur
Alles Göttliche auf Erden
Ist ein Lichtgedanke nur.

Langsam in dem Lauf der Horen
Füget sich der Stein zum Stein,
Schnell, wie es der Geist geboren,
Will das Werk empfunden sein.

Wie im hellen Sonnenblicke
Sich ein Farbenteppich webt,
Wie auf ihrer bunten Brücke
Iris durch den Himmel schwebt,

So ist jede schöne Gabe
Flüchtig wie des Blitzes Schein;
Schnell in ihrem düstern Grabe
Schließt die Nacht sie wieder ein.

Peter Ablinger (6) – Poéticas do Ruído

2005-04-21T23:11:00.000+01:00

aliás: tantas definições de TUDO!
p.e. quando eu digo ruído = tudo
posso objectar: ruído não é uma pausa, silêncio, ou somente uma nota.
Posso criar (por acaso) uma situação que verdadeiramente é tudo? que – pelo menos teoricamente – nada exclui?
(…)
RAUSCHEN / HIPOTHESEN

LP

Peter Ablinger (5)

2005-04-21T22:51:00.000+01:00

Agnes Martin, White Flower, 1960. Oil on canvas, 71 7/8 x 72 inches. Solomon R. Guggenheim Museum, Anonymous gift. 63.1653.

LP

A History of Violence

2005-04-20T10:56:00.000+01:00

O último filme de David Cronenberg será estreado no festival de Cannes. Depois do sedutor delírio hollywoodesco do ano passado, o festival regressa ao cinema de autor. Em competição estarão também filmes de Lars Von Trier, Gus Van Sant, e Wim Wenders, entre outros. Mais informações aqui e aqui.
LP

Arquivo

2005-04-20T09:55:00.000+01:00

E tinha eu a intenção de escrever sobre Robert Bresson. Afinal, está tudo no Last Tapes.
LP

Wittenertage für neue Kammermusik

2005-04-19T23:37:00.000+01:00

O festival de música de Witten é, a par com o festival de Donaueschingen (Donaueschinger Musiktage), um dos mais importantes festivais de música actual na Alemanha. Witten está para a música de câmara assim como Donaueschingen está para a música orquestral. Foi aqui que, por exemplo, em 2002 a última Sequenza (XIV para violoncelo) de Berio foi estreada. No mesmo ano, foi também aqui dada a ouvir em primeira audição a Improvisation I – für ein Monodram de Emmanuel Nunes. Compositores como Grisey, Lachenmann, Rihm, Sciarrino ou Furrer fazem parte do restante historial do festival. A estrutura é simples: tem a duração de um fim de semana prolongado (de Sexta a Domingo) com 2 ou 3 três concertos por dia e outras tantas performances. Quase todas as peças aqui tocadas são encomendas de várias entidades e estreias absolutas. Este ano vamos poder ouvir entre a nova realização de Nachtmusik I na versão para 5 instrumentos e electrónica ao vivo de Nunes e uma obra do seu ex-aluno Pedro Amaral, estreias de obras de Bernhard Lang, Marco Stroppa, Mark André, Jonathan Harvey, e Pierluigi Billone, entre outros. Um fim de semana com tanta coisa nova para ouvir não acontece todos os dias. Lá estaremos para escutar.
LP

Crítica à Crítica do Crítico sobre a Crítica

2005-04-18T21:20:00.000+01:00

Coerente com o texto de introdução do seu blog (Crítica, Crítica a quem critica), o Crítico faz uma crítica à Critica. Não concordo com tudo mas gostei de ler.
LP

Arte e Política – Contradições (2) - Orff

2005-04-16T23:10:00.000+01:00

A separação entre Arte e Política é uma necessidade compreensível. Mas nalguns casos é difícil de concebe-la sem um certo sentimento de desconforto. Um desses casos é o de Carl Orff. Orff não terá sido um Nazi como foi Hans Pfitzner (ver este interessante artigo sobre Pfitzner e a sua “doença” anti-semita, ou este outro artigo no sítio da Rádio Alemã sobre o declínio da cultura musical alemã durante o terceiro Reich).

Mas tudo parece indicar que terá sido um leal colaborador do regime. A sua vida tornou-se mais desafogada durante o período Nazi graças às muitas encomendas feitas pelo governo. Segundo Michael H. Kater (o autor do livro Composers of the Nazi Era), Orff terá ganho até ao final da guerra a soma de 36.000 Marcos, gozando assim e pela primeira vez na sua vida de um certo conforto financeiro. Algumas dessas encomendas foram claros sinais políticos, tal como a encomenda de Sommernachtstraum (Sonho de uma noite de Verão) que foi feita com a intenção de substituir a obra com o mesmo nome do não-ariano Mendelssohn.

LP

Arte e Política – Contradições (1) - Wagner

2005-04-16T23:08:00.000+01:00

Há pouco tempo vi uma entrevista na televisão do prestigioso crítico de literatura alemã MARCEL REICH-RANICKI. O entrevistador perguntava-lhe porque é que, sendo ele uma pessoa tão influente na opinião pública, não tinha um papel mais activo, por exemplo, contra a causa dos movimentos neo-nazis na Alemanha – e uma vez que o próprio foi vítima da violência nazi, nomeadamente durante o tempo em que viveu num campo de concentração. E a resposta do senhor, já com 85 anos, foi a de que não queria misturar Arte com Política. É um campo difícil, não é o meu domínio, disse. Deu como exemplo Wagner considerando-o um anti-semita e um génio, acrescentando que os grandes artistas nem sempre são mulheres ou homens decentes ou correctos.
LP

Uma Casa (à) Portuguesa

2005-04-16T13:04:00.000+01:00

Muita à portuguesa, nos vários discursos a propósito da inauguração da Casa da Música (CdM) foi referido o nome de Pedro Burmester aludindo ao seu eventual regresso. Se, por um lado, me parece haver justiça nesta alusão – Burmester é, sem dúvida, o pai de todo o projecto e que foi afastado de modo, no mínimo, muito questionável -, a verdade é que o tempo passa e agora há um novo director artístico vindo de outro mundo, sem fazer a mínima ideia em que imbróglio político se viria meter. Estes comentários parecem-me totalmente despropositados. Teriam sido oportunos na altura em que as coisas aconteceram. Agora, é tarde demais. A Casa foi inaugurada e o director artístico conseguiu num curto espaço de tempo pôr de pé a inauguração e, julgo, a programação – coisa que não é assim tão simples dada a distância com que as coisas a este nível são programadas. A regressar, o que aconteceria ao novo director artístico? Em que moldes é que Burmester aceitaria regressar? Como segundo director? Como director de qualquer coisa? E ao novo director, paga-se uma indemnização e diz-se adeus? A ideia de querer repor a justiça com o regresso de Burmester à CdM é enganadora e só põe a nu a ineficácia e impotência daqueles que na altura não actuaram como deviam.

Posto isto e para que não haja qualquer mal entendido, eu lamento o afastamento de Burmester da CdM. Burmester foi alguém de uma grande visão ao conceber este projecto. Deixou a sua carreira como pianista em stand by e ofereceu o seu imenso talento musical e humano a um projecto para a cidade e para o País, mas principalmente para a Música. Criou um ensemble de música contemporânea com um nível excelente (comparável aos melhores do mundo como o InterContemporain, o Musikfabrik ou o Ensemble Modern), criou o estúdio de ópera, o projecto pedagógico (com excelentes frutos), e com o seu impulso, motivação e inteligência contribuiu para a criação de uma referência da arquitectura moderna. Como se diz por aqui: Respekt! Como músico, resta-me apenas agradecer todo o seu empenho neste projecto. Uma dádiva de valor incalculável. A CdM tem tudo para se poder tornar nos próximos anos numa referência europeia na música. Faço votos para que o consiga.

PS: Se estiverem de acordo, assinem esta petição a favor da protecção da zona envolvente da CdM, o que também, já agora, é outra coisa muito à portuguesa…

LP

Casa da Música

2005-04-12T16:26:00.000+01:00

Bjork interviews...

2005-04-08T18:55:00.000+01:00

Peter Ablinger (4) - A chuva, o vidro, o riso

2005-04-08T15:48:00.000+01:00

Peter Ablinger:
Der Regen, das Glas, das Lachen
Ohne Titel
Quadraturen IV
Klangforum Wien, Sylvain Cambreling
KAIROS 0012192

Der Regen, das Glas, das Lachen für 25 Instrumentalisten (1994)

LP

Peter Ablinger (3)

2005-04-08T15:40:00.000+01:00

Dubuffet, Campagne heureuse, 1975
LP

Peter Ablinger (2) – Fragmentos de uma Apologia

2005-04-08T15:29:00.000+01:00

Ablinger (Áustria, 1959) é um compositor cujo trabalho sigo com interesse há já algum tempo. Com efeito, é uma das pessoas que mais contribuiu e de forma mais consequente para a reformulação da ideia de concerto - a duração da obra, o local de apresentação, o público, a formação instrumental ou electrónica. Algumas das suas obras descrevem-se melhor no âmbito de um acontecimento (uma performance musical ou teatral, uma instalação) do que no âmbito de um concerto tal como normalmente o se concebe.

De Free-Jazzer e designer gráfico a aluno de Gösta Neuwirth em Berlim, Ablinger procura afastar-se dos meios tradicionais de produção, ensino e consumo de música. Segundo Ablinger “a orquestra, o ensemble, a academia, o ensino, a tradição instrumental, a sala de concertos e a musicologia são responsáveis não só por uma opressiva historicidade da vida musical, como também por uma corrupção da nova música, ou pelo menos, por um clima de preconceitos perante todas as outras actividades músicas das quais as instituições se procuram esquivar.”

A actualidade do tema parece-me incontestável. Ainda mais numa altura em que as orquestras e as instituições em geral de todo o mundo lidam com problemas graves como a falta de público ou o sub-financiamento.

LP

Música do presente

2005-04-08T14:57:00.000+01:00

11.04. 21:04 - 22:00 Uhr
No âmbito do festival de Estugarda UltraSchall - Das Festival für neue Musik 2005, aqui fica uma sugestão de um concerto a ser transmitido na rádio. A gravação é do dia 20 de Janeiro. A transmição é no dia 11 de Abril. A interpretação é de um grupo de músicos alemães e polacos sob a direcção de Rüdiger Bohn.

Kulturradio

Karlheinz Stockhausen
Kontra-Punkte, für zehn Instrumente (1952)
André Werner
II, 1 per stygia, per manes vehor, für Klavier und Kammerensemble (1993/94)
Jonathan Harvey
Wheel of Emptiness, für Kammerensemble (1997)
Annette Schlünz
Fadensonnen, für Kammerensemble (1993)
Larisa Vrhunc
Swamp Forest, für Kammerensemble (2004) -
Lidia Zielinska
Nobody is perfect, für Ensemble und Zuspiel-CD (2004) -
Boguslaw Schaeffer
tentative music, für 19 Instrumente (1973) -
Deutsch-polnische Werkstatt
für Neue Musik
Leitung: Rüdiger Bohn

LP

O ideal de despersonalização do intérprete

2005-04-04T22:16:00.000+01:00

Um filme muito pessoal sobre o maestro filmado pelo seu filho.
"Quanto mais velho ele ia ficando mais intensivamente ouvia a música, maior se tornava o espaço musical e mais largos se tornavam os tempi. O filme apresenta excertos de ensaios e concertos gravados apenas com um único microfone e que representam do mais impressionante que se pode ver num documentário sobre o maestro Celebidache: o Requiem de Mozart, o Concerto para Orquestra de Bartok e sobretudo a 9. Sinfonia de Bruckner..."
Süddeutsche Zeitung
LP

Peter Ablinger (1)

2005-04-03T22:58:00.000+01:00

OUVIR
Ouvir não é pensar.
Ouvir é não pensar.
É tão difícil ouvir como não pensar.
Ou talvez quase tão difícil. O “quase” corresponde naturalmente mais ao ouvir do que ao cansativo exercício budista de atingir o não-pensar. Ouvir não é tão cansativo e talvez mesmo não tão mal sucedido.
Pelo menos para não-budistas.

excerto de Niederlage

LP

Celibidache

2005-04-03T22:55:00.000+01:00

Se há um intérprete ao qual se associa imediatamente um compositor ele é Sergiu Celebidache e Anton Bruckner.

LP

A isto é que se chama empatia...

2005-03-26T23:28:00.000Z

Eu acho que o Schumann gosta de mim.
Martha Argerich
LP

26.03.1925

2005-03-26T20:59:00.000Z

Parabéns pelo 80° Aniversário, Monsieur Pierre Boulez!
LP

HUMANUN

2005-03-24T21:32:00.000Z

homo sum; humani nihil a me alienum puto
[sou homem, nada do que é humano julgo me seja estranho]
Terêncio

Enviado por alguém que sabe um pouco mais de latim do que eu... Bem hajam A,F.A!

Se não me engano, foi também Terêncio quem disse isto: Mulier malum necessarium. Mas isto não traduzo.

Boa Páscoa!
LP

Páscoa no BdE

2005-03-23T20:23:00.000Z

TU-Berlin

2005-03-23T16:11:00.000Z

O Estúdio da Universidade Técnica de Berlim (TU Berlin) foi inaugurado em 1953 por Fritz Winckel. Desde essa data e até hoje foi um promotor essencial da música electroacústica, dando a conhecer os compositores de outros países bem como produzindo um enorme património musical. Entre os projectos com mais notabilidade está o do pavilhão de Osaka para a Expo de 1970 com a música de Stockhausen. Compositores e professores como Boris Blacher, Ernst Krenek, Carl Dahlhaus ou mais recentemente Robin Minard, Alberto de Campo, Trevor Wishart fazem também parte da história do estúdio,

Hoje na Kulturradio (link) às 20:00 o Estúdio da TU-Berlin apresenta um concerto com obras de SUN-YOUNG PAHG, AGOSTINO DI SCIPIO, ANDREAS WEIXLER e SE-LIEN CHUANG no âmbito do festival UltraSchall de 2005.

Quem tiver internet rápida pode ouvir o concerto aqui.

LP

Contemplação

2005-03-21T21:32:00.000Z

Palavras para quê?

Ouvir, ouvir, ouvir...
LP

Der Zauberberg

2005-03-21T20:59:00.000Z

Por curiosidade:
Será que o Montanha Mágica conhece a Montanha Mágica?
LP

Thomas Mann

2005-03-21T00:43:00.000Z

A Montanha Mágica é um blog com o qual é fácil criar empatia.
LP

O Público e a Música Contemporânea III – Nikolaus Harnoncourt

2005-03-20T22:38:00.000Z

A raiz deste fenómeno está na assíncronia entre os receptores e as obras produzidas. Hoje toca-se – isto é um facto – principalmente música histórica; e mesmo quando hoje se fala de “música contemporânea”, fala-se principalmente de obras de Webern e Schönberg ou Berg, compostas há 70 ou mais anos. Isto é como se fizéssemos uma crítica sobre Beethoven e falássemos sobre Bach. Simplesmente absurdo!

Esta situação é relativamente nova. A estreia de obras de Brahms, Bruckner ou Puccini – e isso chega até ao nosso século – foi na altura cem vezes mais importante do que a reinterpretação de Mozart ou Beethoven. Enquanto a arte é verdadeiramente parte da nossa vida actual, ninguém lhe passa pela cabeça ouvir música histórica.

Entretanto mudou a percepção da cultura: a arte não faz mais parte da vida humana, mas sim parte de enfeito [de ornamento], enquanto que para as pessoas de hoje são as coisas materiais que contam. A sua felicidade não é mais assente na possibilidade da sua imaginação ser estimulada e consolada, mas sim no que de material recebe e possuí. E assim fica atrofiada uma parte fantástica da vida. As pessoas apenas podem e querem pensar por ordem de ideias lógicas. Um ideia musical que não é lógica mas que talvez seja muito mais verdadeira já não as interessa. As artes passam assim a ser unicamente enfeite. E neste sentido de ornamento, as pessoas apreendem apenas as formas já aceites, as que não fazem doer.

(…)

Nikolaus Harnoncourt

LP

O Público e a Música Contemporânea II - Fassbender

2005-03-20T22:36:00.000Z

No fim de contas o ouvido humano é feito para o belo som e não para os ruídos.
Brigitte Fassbaender

Os critérios de beleza baseados na “humanidade” ou não de uma obra de arte não têm qualquer fundamento. A arte nada tem de natural. É um produto da cultura em que cada pessoa ou grupo se integra. Basta pensar na música proveniente das culturas extra-europeias, cheias de elementos tradicionalmente considerados não-musicais para um europeu e vice-versa.

LP

último

2005-03-18T18:23:00.000Z

...e aqui fico, onde o tempo me deixou...

TC

5:57'

2005-03-18T17:57:00.001Z

Penúltimo:
Há dias em que tudo me corre mal. E há semanas feitas desses dias e meses feitos dessas semanas... Aí não são as coisas que me correm mal, sou eu que corro mal para elas, para os dias, para as semanas...

TC

Festa

2005-03-17T23:13:00.000Z

No programa da festa da música do CCB deste ano dedicado a Beethoven, há alguns aspectos que me parecem extremamente interessantes. Por um lado, se já estamos mais ou menos habituados às “integrais” das sinfonias de Chostakovitch, Bruckner ou Mahler, a verdade é que a iniciativa de fazer as integrais das sinfonias, dos quartetos de cordas, das sonatas para piano, para violino, para violoncelo, etc., num tão curto espaço de tempo é obra! Imagine-se ouvir todos os 16 quartetos de cordas num fim-de-semana! Desde o op. 18 até ao 135! É uma dimensão completamente diferente da música de Beethoven.

O outro lado igualmente interessante é o que diz respeito à interpretação de obras de contemporâneos de Beethoven: Cherubini, Clementi, Czerny, Hummel, Diabelli, Salieri. É tão ou mais interessante porque se trata de autores pouco tocados. Não fazem parte do repertório tradicional das grandes orquestras nem dos grandes intérpretes. Alguns, ou algumas obras, terão sido injustamente esquecidas, outras não. Mas interessante é perceber o que há de “normal” em Beethoven, ou seja, aquilo que pertence ao cânone da época, e tudo o resto que é “só” Beethoven. Numa altura em que há uma procura de reavaliação da história – particularmente da vanguarda -, é extremamente oportuno ouvir a música dos que viveram ao lado do grande mestre de Bona.

Também positivo é a integração de músicos portugueses neste projecto, especialmente dos pianistas e das orquestras.

LP

decompor a arte no tempo

2005-03-17T23:11:00.000Z

Síndrome Dorian Gray

2005-03-17T23:07:00.000Z

Hoje ao passar por um anúncio numa paragem de autocarro ocorreu-me a ideia de que a modelo fotografada é sempre a mesma. É sempre alguém que corresponde aos ideais de beleza de cada altura, da moda. É sempre impessoal, sempre agradável, sempre previsível. Será que essa pessoa envelhece?
LP

Sobre a ambiguidade

2005-03-15T09:43:00.000Z

Pedro Mexia no Fora do Mundo sobre a ambição do mais simples e fracassado post.

Prosa Literal

LP

O Ouvinte Ideal - IV

2005-03-15T09:40:00.000Z

O João Pais enviou-nos um contributo para a série do "ouvinte ideal" sobre a responsabilidade do ouvinte.

O homem sentou-se ao meu lado e ouviu-me com toda a atenção, e eu, apesar do
frio e das dores de cabeça, toquei no péssimo piano como eu toco quando
estou bem disposto.
Dêem-me o melhor piano da Europa, mas como ouvintes pessoas que nada
percebem, ou que não querem perceber nada e não sentem comigo o que eu
toco, e eu perco todo o ânimo.
W.A.Mozart

LP

Kiefer

2005-03-13T23:42:00.000Z

Não sei se cheguei a dizer que as pinturas do Kiefer são mesmo grandes!
É que isto:

é um detalhe disto:

Anselm Kiefer
REMNANTS OF SUN, 1997
emulsion, acrylic, shellac,
burnt clay, sand on canvas

LP

O Ouvinte Ideal – III

2005-03-12T23:20:00.000Z

Uma aproximação humana do ouvinte (ideal).

[Sobre a dodecafonia:]
- E tu pensas que alguém possa ouvir tudo isso?
- Ouvir? (...) Se "ouvir" significa para ti a percepção exacta de todos os meios pelos quais se obteve a suprema e mais rigorosa ordem, uma ordem análoga à do sistema solar, uma ordem e uma imutabilidade de grandeza cósmica, não, assim elas não serão ouvidas. Mas a própria ordem será, ou melhor, seria ouvida, e a sua compreensão proporcionaria uma satisfação estética nunca antes sentida.
Thomas Mann, Doktor Faustus
LP

A Certeza

2005-03-12T23:05:00.000Z

A ordem. A alusão da geometria. A cor, a forma e a sua harmonia. A feliz fusão entre arquitectura e pintura. O traço que parece continuar para lá da imagem. Estes são alguns dos aspectos que me fascinam na obra de Nadir Afonso (nascido em 1920).

Recordo um documentário na RTP2 sobre o pintor em que N. Afonso respondia à pergunta do jornalista com uma certeza de outros tempos:

Jornalista: Tem a certeza da sua arte?
Nadir Afonso: Absoluta!

LP

Pesaro

2005-03-12T16:26:00.000Z

Nadir Afonso
LP

Arte no Tempo

2005-03-12T16:11:00.000Z

A Diana Ferreira abriu um novo blog: Arte no Tempo. Parabéns e Bem-vinda!
LP

Manfred

2005-03-11T20:59:00.000Z

Apesar da parca participação, a harpa (des)temperada (Partch Harp é o título original),causou acesa discussão off-blog. O João não andou longe. Trata-se de facto de um aluno de Ligeti e que „herdou“ o interesse do professor pela música de culturas extra-ocidentais. Ei-lo.

Lendo o excerto da entrevista do compositor de 1990 abaixo publicado, ocorre-me que o Ligeti-Professor não é muito diferente do Ligeti-Compositor-pós-moderno.

Manfred Stahnke talks to Canzona
Interview September 1990, Wellington

Canzona: For many years you studied composition with Gyoergy Ligeti in Hamburg. How does he teach? What effect has he had on your own musical thinking and approaches?

Manfred Stahnke: Well, in fact Ligeti doesn't teach any more - he retired two years ago. This year, 1990, he has given lectures only once, in Hungary.

But how did he teach during the fifteen years in Hamburg? He was very decisive in his views, for example he rejected a lot of the music of the fifties and sixties. If his students came with music related to it - for instance using the 'new complexity', serialism or whatever - he didn't appreciate it. What he proposed very strongly was for us to search for really new attitudes towards writing music; to find music out in the world, to go to Africa or South America or to the South Pacific (in fact he proposed I come here to collect things), then to re-think our Western compositional attitudes. He didn't want to just go on in the old terms of art music. But he himself is schizophrenic about this, because his attitude is actually very artistic and very Central European.

(...)
[a entrevista completa aqui]

LP

10:01

2005-03-09T10:01:00.000Z

DUCHAMP, Marcel
Fontaine
Ready Made: Urinol de Porcelana (original perdido)
1917

TC

Exercício Estilístico

2005-03-08T21:59:00.000Z

Mais Utopia

2005-03-08T14:43:00.000Z

Prémio da Crítica Discográfica Alemã (2004):
Preis der deutschen Schallplattenkritik

Luigi Nono: Quando stanno morendo, Ha venido, ¿Dónde
estás, hermano?, Djamila Boupachà, Sarà dolce tacere

Neue Vocalsolisten Stuttgart,
Pirmin Grehl (Flöte), Erik Borgir (Violoncello),
Digital Masters Stuttgart;
Ltg. Manfred Schreier
col legno SACD 20603

LP

O Ouvinte Ideal - II

2005-03-06T21:23:00.000Z

Quando o Stockhausen escreve uma obra, ele espera que o ouvinte entenda uma organização “superior” que se revela, por exemplo, nas proporções rítmicas. Por esta razão, Stockhausen dá extrema importância às durações. É-lhe absolutamente importante que o intérprete seja preciso com o ritmo e com as durações para que a compreensão da peça não seja comprometida; para que as proporções - que revelam a tal ordem superior - sejam de facto ouvidas. Ou seja, há uma real associação entre o processo de composição e aquilo que se espera que seja compreendido pelo ouvinte. Ou, colocando de outra forma: há uma compreensão “correcta” da obra.
(continua)
LP

Utopia

2005-03-06T20:16:00.000Z

Luigi Nono no sempre surpreendente Abrupto.
LP

Utrecht

2005-03-06T20:15:00.000Z

Na Holanda, muitas pessoas andam de bicicleta. É sabido. Há alturas em que até é raro ver alguém a andar a pé. Engraçado é quando se quer perguntar um caminho a alguém. Quem é que as pára?
LP

Harpa bem temperada

2005-03-06T20:11:00.000Z

Beethoven

2005-03-02T16:00:00.000Z

Andy Warhol
LP

O Ouvinte Ideal - I

2005-03-02T15:54:00.000Z

Há uma geração de compositores que escreveram e escrevem música tendo em conta o ouvinte ideal. Este é aquele que tudo entende – o que é explícito ou implícito, o ouvido e o subentendido; é aquele que possui uma memória tal, capaz de abarcar tudo o que já foi escrito até hoje, desde a primeira nota da história da música até hoje e até às últimas consequências; é o que compara cada momento do acontecer com toda A História da Música. Esta é talvez a mais importante diferença que separa a minha geração da geração da vanguarda.
LP

Carrefour, Monoprix, Clairefontaine

2005-03-02T15:53:00.000Z

Há um prazer muito especial em escrever a primeira página de um caderno. Mas não de um caderno qualquer. Porque um caderno não é um caderno. Não são todos iguais. O melhores são os cadernos franceses. Sem dúvida. A espessura da folha. A divisão da folha – nem é de linhas nem quadriculado. A nobre tira de tecido que segura as folhas. Não são uma maravilha?
LP

Dein und mein Alter und das Alter der Welt

2005-02-28T00:17:00.000Z

"a tua e a minha idade e a idade do mundo"
Anselm Kiefer, 1997
LP

KLANG

2005-02-24T17:26:00.000Z

Depois de 27 anos e 29 horas de música, Stockhausen deu por completo o ciclo “Os Sete Dias da Semana”. A obra que se segue chama-se “KLANG – As 24 Horas do Dia”. A estreia da PRIMA ORA para órgão (ou sintetizador), soprano e tenor será na Catedral de Milão no dia 5 de Maio.

Um plano mais modesto. Mesmo assim, a dimensão de tal projecto não parece assustar o senhor de 77 anos. Afinal, sempre são menos 5 horas de música que os “Sieben Tage”…

LP

poema

2005-02-23T23:42:00.000Z

HHH HH HH HHH
HHH
HHH HHH
AAA
O la la la OA OA lala

Kurt Schwitters (1924)
LP

ICMC 2005

2005-02-21T18:12:00.000Z

O uso da tecnologia está longe de ser sinónimo de “modernidade”. Mesmo assim é um meio cheio de vida e de ideias. Incompreensivelmente, é simultaneamente um mundo um pouco à parte dos circuitos da música tradicional instrumental – facto que denota uma separação algo artificial entre música instrumental e música electrónica. A próxima International Computer Music Conference é em Barcelona em Setembro. É o acontecimento mais importante do género. Daqui a 3 anos volta à Europa, depois de passar pela Ásia e pelo continente Americano.
LP

passing by

2005-02-21T14:12:00.000Z

passing by
Um agradecimento à/ao anónima/o “passing by” pelo oportuno texto colocado na caixa de comentários. Aqui fica a minha humilde vénia ao autor do texto.
LP

[Note: This was written for a Philosophy class and as such is fairly dense and begins with a lot of background information that is important for the ultimate discussion about music. It's a 13 page paper (26 double spaced), so proceed at your own risk. It was posted because I thought discussing this issue is interesting (and to make all the work for this class seem more justified), and for no other reason.It was written about 9 months ago or so, and written over roughly two days. Definitely check out some of the sources cited if you like arguing about this sort of thing.]

Contemporary Music
By Ryan Mills

I

Music has an undeniably important role within a culture. Its prevalence throughout time in differing cultures has been an indication of differences amongst those cultures and time periods. This arises because music is a reflection of certain aspects within a society. Gracyk says that “music does not yield its meaning to listeners outside the continuing culture that gives the music its significance.” Therefore, there is a link between the music of a culture and the culture itself. Changes within the structure of a society should then be reflected by changes within the music within that culture. The predominance of classical music throughout much of history reflects the aristocracy in which it flourished. The subsequent democratization of, not only culture, but of art as well has led to the dramatic changes in what constitute popular music today. This process has also led to an increase in the variety of music and the belief that people are entitled to their own tastes, which may vary widely. The implications of this are great within contemporary music.

Important to understanding the position of music is an understanding of the conditions affecting culture. Certain issues have arisen that have had important implications on culture and therefore also on its music. The nihilistic state in which we live must be examined as well as its influence on the creation of the culture industry. The democratization of much of the world and the onset of capitalism, which is inherently competitive, also necessitate attention. The state of music today owes much to the present condition of our economy and the seemingly constant obsession over money. We will see how these changes in culture have led to the decline in interest in classical music and the rise of popular music. We will see how the culture industry has led to the commercialization of music and the inevitable decline in much of its quality which is directly resultant of this. The link between music and acceptable societal rules will be discussed as well as how certain music attempts to criticize culture and whether it can be successful as a commodity within that very culture.

Once all these pieces are in place, the state of popular music can be examined more closely. One can only dismiss all popular music if it has lost its purpose and relationship to culture. The dramatic changes in culture necessitate the vastly different musical scene of contemporary music—as music can only remain meaningful within this constantly changing culture. The other necessary component is the listener’s sympathetic response to the music. Its expressiveness is the most important element of the its content, and without the listener being able to understand this expression and have a sympathetic response to it, music fails to fulfill its purpose. Today, this problem comes in the form of the distracted or disinterested listener. Whether this problem is serious enough to discount all popular music must also be discussed.

Once the foundation for the existence of contemporary music has been established, its failure and success can be determined. We will see the serious problem of music becoming kitsch; used exclusively for profits in this way, and not for music’s sake, has had adverse impacts within contemporary music. The decline in listener’s attentiveness and lack of sympathetic response has led to the decline in popular music as well. The existence of listeners who do understand the expressiveness within the music and experience a sympathetic response to it offers some hope, but whether this staves off any claim of the death of popular music must be examined. The commercialization of the music industry has led to a decline in the quality of the mass-produced music. More broadly, the state of contemporary society has led to a state of disarray within music, and now it lies in a state of utter corruption.

II

The culture industry has had a tremendous impact on the role of music within contemporary life. Once a serious art activity reserved exclusively for the socially elite, it has become a mere distraction for the masses on its broadest level. The advent of the culture industry has had the greatest impact on this aspect of the musical scene. Arising out of the nihilistic state of modernity, its creation and continued existence is of critical importance.

Traditionally through history, epochs have been characterized by a general tendency toward the belief in some metaphysics. This was most deeply rooted within religion: The vast majority of societies existing throughout history have been religious in nature and this has impacted all aspects of life therein. The ancient Greeks structured their lives around the stories of the gods and actively involved them in explanations for everyday occurrences. As time passed various religions rose and fell, some having greater impact than others, but all affecting those whom lived underneath them. The rise of the Roman-Catholic church is yet another, more recent, example. The church grew in power, both economically and socially. The rise in economic power is particularly important to understanding the breadth of the church’s influence.

The necessary starting point for understanding such an evolution is within the idea of dialectical materialism. This borrows its structure from dialectical idealism, in which theses and antitheses are created and integrated into a synthesis, which thereby becomes another thesis to which another antithesis is posed and a further synthesis occurs. This continues on, furthering knowledge and perfecting it as it progresses toward the ultimate goal of truth. All of this occurs within the mind (thus it is idealistic) and depends upon earlier knowledge. Dialectical materialism incorporates the progression within this model; however, rather than occurring within the mind, this process occurs within the market. As such, ideas do not spontaneously occur to individuals as most assume; instead, they are placed there by the market. The logical conclusion of such a model is that everything which one does and everything which one thinks is a result of the market. This is a somewhat unpleasant idea for most, and as such is not generally accepted as being complete (i.e. the market may very well induce much of our behavior, but it is limited to some extent). While it is beyond the scope here to argue such a complete influence, it is also unnecessary. It is without doubt that the market economy and society in general—notably, the culture industry—influences the individuals that live beneath it and obviously exert influences upon their lives and thoughts. This influence is the catalyst for the changes that have occurred on a societal level between time periods. The church’s rise as an economic power further adds to its social influence during the time of its ascension. Its dominance in the economic sphere has the direct result of religion giving meaning to life. Throughout much of history, religion can be looked at as the metaphysics to which most ascribed.

Religion faded and was replaced by philosophical truth. Thus people went from believing in a God to focusing more upon other universal truths. These philosophical truths replaced religion as the metaphysics of the masses, but this was not as important as the fact that there still was something in which to believe. With the onset of the Industrial Revolution and unthought of progression within the sciences, belief in these philosophical truths also faded; this time, however, it was not replaced by anything else. This state of nihilism, in which there is no inherent meaning to life nor any metaphysical goals toward which one strives, has continued on into modernity. This sets the stage for the creation of the culture industry.

The culture industry essentially sells people meaning to fill the void left after the departure of metaphysical truths. Its onset occurred during the state of nihilism that arose in modernity. Along with this, it arose during a state of democratization of much of the world, putting an end to much of the aristocracy which set the rules to music and art before, and also during the rise of capitalism as the dominant market choice around the world. The end of the aristocracy led to changes in all art. Roger Scruton offers a brief outlook on the matter: “An aristocratic culture has an instinctive aversion to what is vulgar, sentimental, or commonplace; not so a democratic culture, which sacrifices good taste for popularity, and places no obstacles whatsoever before the ordinary citizen in his quest for a taste of his own.”(1) When music—and indeed the whole of art—was reserved for the socially elite, there was a natural movement from mediocre, common and bad art; indeed, this time was characterized by an emphasis on aesthetic training and understanding of art for those who were in a position to attend to art. Naturally, art, as well as music, was held to high standards of taste; a taste that was cultivated in those partaking in artistic appreciation from an early age. “In a democratic culture, people believe themselves to be entitled to their tastes.”(2) The democratization of culture, on the other hand, led to a spreading of art but at the cost of strictly upheld standards of taste.

The music championed most ardently by the contemporary scene can most readily be seen within this framework. The culture industry has turned every aspect within life into a commodity, including music. Pop music, which clearly dominates the radio and television, is the easiest example of this process. This music is entirely a commodity controlled by the culture industry and used for profits. It is marketed more as distraction or entertainment than as an artistic production. “Alternative” music and rock music have also fallen to this process, but instead of acquiescing, it takes an alternate route: it attempts to offer a criticism of the culture which promotes that very music. With this the seeds for a corrupted musical scene were planted.

III

With social conditions acting as such an important force on the entirety of art, changes can be seen in art throughout history which can be related to societal changes occurring at that time. More broadly, there are clear patterns art has followed with changes in culture. For the ancient Greeks, art was vastly different from its role during the Renaissance which is also different from its role currently. Art had an entirely different role for the Greeks, which can, in great part, be explained by the changing role of art as a means to understanding. In ancient societies, as it was with the Greeks, art was their highest mode of thinking: their greatest thoughts would occur through artistic mediums. Through art, they would have experiences of the divine. When looking at a statue of Athena, they believed they were standing in front of a god. That very statue was god. Art in their culture was a means to expressing their highest thinking and undergoing their deepest experiences. As Hegel argued, art was replaced by religion—and eventually that was replaced by philosophy—as the highest mode of thinking: “In all these respects, art, considered in its highest vocation, is and remains for us a thing of the past.”(3) Throughout much of history during which art flourished, religion was particularly important. With the church’s power rising significantly and its economic importance peaking, much of the great art focused on divinity and the glorification of God. This eventually faded, and today, art is focused upon profits and money.

Music has other important roles in society. Jacque Attali proposes that “musical organization is a species of political organization.”(4) What follows from this is the “notion that ‘the code of music stimulates the accepted rules of society,’ for the conditions underlying the existence of a musical culture are the conditions for the creation and consolidation of every community.”(5) In this sense, music becomes a politically charged item; an item of the body politic, which can be a measure of the acceptable social norms within that particular culture. In the same sense as the culture industry exists, it comes into this role acting as a societal machine influencing and controlling the masses. It becomes a method of control: “When an individual develops a taste for the musical organization typical to that individual’s culture, she literally subordinates herself to the body politic.”(6) Under this reasoning, a liking for contemporary music would thus be an affirmation of cultural domination over one’s life. As a part of a social framework which sets the rules to music and governs the conditions under which it is created, music obviously reflects influence from culture and portrays particular norms and social ideals in this way.

Classical music, which arose in the presence of aristocracy, reflects the cultural and political ideals of such a time. In these aristocratic cultures, social restraint and orderliness were stressed. In politics, subordination to current rulers and an acceptance of the social institution was stressed, and these very ideals are found within the music of the time. Classical music, which follows strict forms and necessitates certain elements, radiates those ideals stressed in the realm of politics at the time. A sense of restraint and subordination to rules permeates the music. This sense of adherence to strict rules is so strong that a simple C sharp in Beethoven’s Eroica Symphony “could scandalize an entire European socio-economic class.”(7) Obviously with classical music, political and societal values were conveyed through the music, but this same process continues on today with contemporary music.

The subsequent democratization of culture and, ultimately, of art led to changes within music’s role within society. It still was a medium of the expression of social norms and political viewpoints, but the change of these also necessitated the change in music to accommodate the new social order. The new found democratic nature of art led to the development of a wide array of tastes (to use the term loosely) and an ever-evolving music scene. Art now being available to everyone, and most people involving themselves somehow with it, caused the democratization of tastes. This led to much musical variety and new found styles of music arose. An important aspect that became rampant within modernity was the addition of a simple, but important, element within most music: noise. Music was inundated—and still is—with not only melody but also noise. Music, traditionally emphasizing melody and harmony, now stressed noise over these long-time held ideals. Why would music move in this direction? This goes back to the changing social structure. Democracy stressed the ideals of freedom of thought and differences in beliefs; but along with this came a tendency to value individuation and rebelliousness. Idealized characters in movies and mainstream entertainment threw off traditionality and embraced rebellion and nonconformity. This was embodied within music with noise.

This process is not without its problems, however. The culture industry takes this attempt at dissonance and rebellion and commodifies it. That ideal character supposedly representing defiance only represents conformity. “Pseudo individuality is rife: from the standardized jazz improvisation to the exceptional film star whose hair curls over her eyes to demonstrate her individuality. What is individual is no more than the generality’s power to stamp the accidental detail so firmly that it is accepted as such. The defiant reserve or elegant appearance of the individual on show is mass-produced….”(8) The entire idea of alternativeness or individuality became cliché: everyone was “alternative”; everyone was different; the whole of it became counter to its nature and spirit. “The most intimate reactions of human beings have been so thoroughly reified that the very idea of anything specific to themselves now persists only as an utterly abstract notion….”(9) Noise in music may attempt to offer criticisms of culture, but oftentimes it ultimately fails, as it is nothing more than a commodity within that very structure, perpetuating and furthering it. The broad-sweeping culture industry leaves nothing unturned in its path: overtaking and commodifying all pseudo originality and rebellion and selling it back to the masses as nothing more than a profit-generating tool. The noise, rife in contemporary music, falls victim to this same process. A song like Nirvana’s “Smells Like Teen Spirit,” which attempts to critique contemporary culture, specifically youth apathy within modernity, becomes nothing more than a commodity exploited by the culture industry. It was marketed as such a representation of rebelliousness for youths and immediately soared to the top of popular music charts everywhere, selling an abundance of copies. Such a mass-produced and distributed commodity could most certainly never offer a true critique of culture, for it is nothing more than a tool of that system.

Now with the democratization of art and music nothing was inherently “bad,” but people simply had differing tastes. Everyone suddenly believed themselves entitled to their own tastes and believed anything to be “good art” so long as they enjoyed it. It did not follow that aesthetic training was upheld in all those participating in the artistic appreciation (which was now everyone) as it had been in the aristocracies beforehand; instead, the vast majority of people approached art with little understanding of the basic fundamentals and rules underlying it. The wide-spread interest in art arose because of the masses desire to partake in this activity that was traditionally a pastime for the socially elite. Greenberg describes this process as it initially occurred: “The peasant’s who settled in the city as proletariat and petty bourgeoisie learned to read and write for the sake of efficiency but they did not win the leisure time necessary for the enjoyment of the city’s traditional culture. Losing, nonetheless, their taste for folk culture whose background was the countryside, and discovering a new capacity for boredom at the same time, the new urban masses set up a pressure on society to provide them with a kind of culture fit for their own consumption.” As time passed, leisure time for the masses increased as well; at this point, it is no longer a matter of lacking the leisure time to appreciate art or music, but a lack of training in doing so. Most youth of today receive no aesthetic training and lack an understanding to the appreciation of music.

Greenberg saw an increasing dependence upon content within art which coincided with a situation in which creativity was dwindling, which he referred to as “Alexandrianism.” This generally took the form of a lack of creativity within art and a deference to the old masters within their art form for the larger questions. Art essentially became a perfecting of formal qualities following the rules set by past masters. There was no creativity; instead, all art became was this test of perfecting minute details within formal properties without any thought into the medium itself or why such formal properties were being used. Along with Alexandrianism came a revolution within art toward more emphasis on content and clear-cut messages within the art itself (especially within music). Music became simply another medium for the expression of ideas; but they became so blatantly obvious that the music essentially explained itself, taking one of the most important aspects away from what it truly should do. There was a movement, which Greenberg refers to as kitsch, in which art becomes self-explanatory because those for which it is made do not have the means, the time or the training to work through true art to see the true meaning. Instead, the art does this all for the onlooker. Greenberg calls kitsch “popular, commercialized art and literature, with their chromeotypes, magazine covers, illustrations, ads, slick and pulp fiction” and so on. In other words, kitsch is the commercialization of art to exploit it and use it as nothing more than a profit-generator. This only came about alongside the increase in literacy and free time among the average person. With this rise in literacy and time came kitsch which was for “those who, insensitive to the values of genuine culture, are hungry nevertheless for the diversion that only culture of some sort can provide.” Thus, kitsch is for the common man who has neither the time nor the understanding to appreciate “genuine” culture and art, but still yearns for those as diversions. Kitsch comes in to fill this gap: It becomes the commercialized art to satisfy the desire of those who cannot appreciate the genuine culture but wish to have some part in it. Kitsch is thus merely a commodity and nothing more, just as any other profit-center is; it is not produced for its own sake or for the progression of art but is produced to realize a profit. Thus, in some sense, kitsch is not even art, but a corruption of true art and a deception to those who accept it as art. Kitsch is manipulated to whatever is thought to have the best chance at earning the highest profit. The art or music itself becomes simply a means to a profit and is sacrificed without thought to its ultimate end: commercialization. In this sense, kitsch is not even truly art; it simply a form of entertainment for the masses.

Contemporary music can easily be seen in this light. The most blatant example of this lies with the pop music of today. Characterized by mundanity only eclipsed by the musician’s lack of skill, the pop music of today has wholly become commodified within our society. Radio grew in importance and popularity as technology cheapened stereos and they became commonplace within modern automobiles. Along with this came increased focus upon the economic potential of exploiting the radio. Later came the rise of importance of television, culminating in the birth of MTV, which, to this day, has profound impact on the music being created. With the conglomerates owning these immensely popular mediums focusing solely on profits, music was judged on how well it could attract and keep the attention of the casual listener who was perhaps browsing the stations while driving to work. Music was no longer about the music; it was about grabbing the attention of the distracted listener and thus drawing a profit from them. Its importance grew to the point at which it became an instrumental means to becoming successful within the music industry. At this point, most musicians became willing to sacrifice any artistic vision to conform to what was popular at the moment; for what was current craze was the simplest way to stardom, success and money. This “radio rock” has undeniably altered the way musicians look at and create music. For most it is now a mere matter of determining what would give a quick fix to the distracted listener and thus appeal to radio audiences—all leading to the ultimate goal of money and fame. Even the bands appealing to a wholly separate audience—one which ignores or entirely shuns the radio—still fall subject to such a process. They still attempt to create music to appeal to an audience; however, this audience views themselves as “alternative,” and as such desires music of differing formal properties than the radio-following masses. The underlying process governing such fringe markets is the same as those for mainstream markets.

Contemporary music thus runs the risk of denying its existence as a true art form. While, quite arguably, it falls as kitsch, this could have two possible implications. One is that the music of today is simply bad music while maintaining itself as a legitimate art. The other is that music has become wholly corrupted by the culture industry and profit-seeking that the actual medium is of little importance and contemporary music is thus simply a means to profits; as such, the music loses any importance and it could not even be said to be truly art. Problems arise with the latter: Although it may indeed be the case that all contemporary music has become corrupted, denying its connection to art is dangerously short-sighted. “Castigating all popular music is not merely counter-productive; it shows the very same atrophy of judgment as the surrounding popular culture.”(10) Thus, it is obviously justified to argue that music has become corrupted, but it can be dangerous to deny all contemporary music its roots as music.

The response to kitsch within art has been the emergence of the avant-garde. At least the vast majority of contemporary music has become kitsch. “Kitsch is mechanical and operates by formulas. Kitsch is vicarious experience and faked sensation. Kitsch is the epitome of all that is spurious in the life of our time. Kitsch pretends to demand nothing of its customers except their money—not even their time.” Much of contemporary music has fallen to this exactly: it is formulaic, simply following the rules of what may satisfy their consumers; it falsifies emotion and does so simply because it is this that appeals to the masses; and, most importantly, much of it is created for the distracted listener—the listener who lacks the knowledge, time or will to appreciate subtleties within music and instead desires simplistic and easily digestible music. Avant-garde music attempts to change all this.

The avant-garde attempts to battle kitsch by a radical return to form and a total immersion within the medium of the art. The content is wholly eliminated and is seen as a mode through which true art becomes kitsch. This new found direction has not been immune to the commercialization associated with kitsch, however, and even avant-garde art has become integrated within common society and essentially become kitsch. The inability to escape commercialization has become the crisis of modern art, as it seeks new ways to break the bounds of the socially mundane. But how does the avant-garde escape the grip of the culture industry—or least attempt to do so? Japanese noise music is one example of avant-garde music. Ranging in intensity from The Boredoms to something much more violent, such as Masonna, it attempts to shock and offend the listener. The Boredoms combine traditional aspects of various styles of music into their songs, but add elements that are obviously quite nontraditional, such as the noise of hitting body parts. Underlying such music seems to be an utter lack of normative musical structure and a sense of chaos. The purpose of such a structure (or lack thereof) is quite simple: a return to the medium through which the art is conveyed: sound. The nontraditional nature of the music causes one to focus wholly on the medium: the sound. Japanese noise artists seek to eliminate any attempt to form concepts around their music and limit it as such; instead, they wish to give a basic, stripped musical experience of just sound. It seems radical because almost all music of today has concepts prepackaged with it, most notably in the form of lyrics. The shock they wish to instill is only necessary because without such radicalism concepts are immediately thrown onto the music; but with such a strong visceral reaction to the music, as is the case here, the music is heard just as sound. It thus attempts to transcend popular music by throwing off all traditionality within music and thus creating music that causes a true experience within the listener. With popular music, concepts have been predetermined and prepackaged with the music; how the listener is meant to feel and what it is conveying are already determined and expressed to the listener. This complements a distracted listener as this type of music requires no thought or reflection to understand. Simply listening gives all the answers. Kitsch comes with all the answers; avant-garde comes with the questions. For the casual listener, avant-garde music demands too much: it demands their time and their attention. With Japanese noise music, the listener is forced to face the music and make sense of it herself; there are no easy answers or shortcuts because the experience has not been built into the music. In this sense, the avant-garde is the polar opposite of popular music, but it cannot wholly escape the culture industry either.

The problem that befalls avant-garde music is its eventual commodification. Japanese noise music may have been a fringe market, unknown to most listeners, for some time, but this is not so anymore. Even the most extreme examples of this music slowly become popularized and commodified—though obviously appealing to a separate and smaller group of listeners—and thus becoming nothing more than another tool for the culture industry’s manipulation. This necessitates the ever-changing nature of this extreme music as it attempts to find new ways to elude conceptualization. While it may serve its purpose for some time, it inevitably falls victim to the same process as popular music, at which point it must evolve. While it remains separate of popularized music, it escapes some of the pitfalls pertaining to it; however, while the movement itself may evade the problems surrounding contemporary music, the individual examples within it do not and eventually fall to the process.

Perhaps the most condemning evidence against popular music lies within the necessity for avant-garde music and all that it embodies. In a culture where music is music and is treated as such, the avant-garde has little place. When music (as the avant-garde music does) demands attention for its own sake and the common listener deems this unnecessarily burdensome, it becomes quite apparent that music has transformed from its roots into a mere distraction. Since music’s audience has shifted from the aesthetically trained and discriminating bourgeoisie to the masses—aesthetically untrained and uninterested in classical standards of music—instead of raising the masses to the level of true music, it has brought it down to their level. This is a result of the masses lack of training and disinterestedness. When music is made for an untrained listener, it disregards traditional musical structures and rules and instead appeals to simplistic, easily understood and quickly appealing structures. As commercialization has taken an even greater hold in society, people devote less and less time to truly understanding and appreciating something like music, and as such it is merely a distraction. It is the increasingly demanding nature of economic competition within modernity that triggers such a movement: if it does not somehow relate to the furthering of prosperity, which has become directly linked to happiness and fulfillment, it becomes a mere distraction—entertainment to be taken as lightly as possible. “The postmodern world denatures music only because it denatures everything, in order that each individual might have his chance to buy and sell.”(11) The rise of the culture industry alongside the thriving competition of capitalism has commodified life such that only that which directly relates to its processes becomes lost as a mere distraction. As such music has lost most of its traditional qualities and instead seeks to appeal to this distracted listener and exploit her for profits. Music’s fundamental purpose has shifted from artistic expression to profit exploitation.

This process inevitably leads to music that is predigested or “easy.” Music traditionally necessitated a response from the listener. “Our response to music is a sympathetic response: a response to human life, imagined in the sounds we hear.”(12) This sympathetic response is important to traditional music for through it one joins in with the music. It becomes an experience of meaning: through the sympathetic response, one truly begins to understand and experience the expressiveness within the music. In the postmodern world, however, this kind of response is absent, and as such, the listener never truly experiences the meaning within music. Scruton argues that this “tells us much about the moral transformation of modernity”; but more importantly, it has come about through the changes in modern culture, and has altered music: now music is made without the demands of a sympathetic response or any effort to discovering the expressiveness. Music easily conveys very certain emotions which require little to understand; combined with these also come parts that serve little purpose to this end. “Writers who look for the ‘meaning’ of Heavy Metal tend to argue in the manner of Robert Walser, referring to the alienation and frustration expressed by this music—while making no real distinction between the expressive and the inexpressive instances, so removing the term ‘expression’ from the context of aesthetic judgment.”(13) The nature of music has changed from necessitating attention to discover the meaning behind the music to only offering expression occasionally, and when it does, it is blatantly obvious so as to make its understanding easy for the distracted listener.

IV

Since music’s expressiveness is the most important element of its content, how it has changed and what devices it uses are important to understanding the transformation of music through history. Traditional classical music expressed its ideals through its orderliness and strict formal properties. The lackadaisical structure of modern music is unfit to the expression needed within music. It is not the sole element attempting to convey meaning, however. The advent of “noise” has had an important impact on the expressiveness of modern music. Any hints of traditionality are accompanied by excess noise amongst which it is hidden. The noise becomes the central focus in much of the music, attempting to offer a critique of culture or some sort of rebelliousness. Its success in doing so is somewhat limited by the processes it must undergo and can vary widely among different music.

The noise offers not only a critique of culture, but may serve as a reminder of the struggles of humanity in building such a culture. “… [A]n important ideal is expressed by the abrasive eruption of beats and sounds that is characteristic of recent rock music. The ideal is the ideal of music as an expression of ordered living….Rock music offers a more earthbound metaphor for life. Rather than ‘reminding’ us of utopia, rock offers a continuing metaphor for the struggle to build human community.”(14) Gracyk goes on to use “Smells Like Teen Spirit” by Nirvana as an example of the noise in modern rock music. Two versions of the song exist: the original by Nirvana and a piano-based version by Tori Amos. While finding melody in the latter is fairly easy as it is presented by a classically trained pianist, the same is not true for the original. The difference, quite simply, is Nirvana’s version adds excessive noise. Any melody present is hidden amongst the noise of the guitars and pounding drums. Gracyk says that this noise is added to “make the listeners work to hear [melody],” but beyond that, the song offers a critique of modern culture and attempts to offer up a metaphor for life in this culture. The expression of anger toward teen apathy in modernity is only compounded by the chaotic sense one feels from the music. This is where it runs into problems, however. Nirvana may have wanted to offer a critique of culture, but not only did they play a role in the progression of modern culture and further strengthening its position, they also directly appealed to the group they were critiquing. Nirvana, like many influential bands of our time, resided on a major label, producing records that would be marketed and sold specifically to a younger audience—all done as a part of a perpetual capitalistic struggle to earn more profits. Does the fact that Nirvana’s position played directly into the schema they so vehemently oppose adversely affect the music and its message? It seems difficult to ignore. The song may have directly struck out at teen apathy, but the record also went on to sell an unimaginable number and become incredible popular with that very age group. It also was recently named the third most influential rock song of the past forty years. And what did it influence? The standards of success for a rock outfit? Raising the bar for the number of records sold before one can be called influential? Because it most certainly did not exert any influence on teen apathy, which is perhaps even higher a little over ten years later, nor did it affect any change. Any sort of critique it may have offered seems dead in the water—only used to further record sales and offer angst-ridden, disillusioned teens a means to feel rebellious. Taking any critique and recycling it into the culture industry, exploiting it, and offering it for sale may be one of the most urgent crises of modern music.

Music has progressed even further since Nirvana’s time. Dissonance is rampant in music today and comes in all different shapes and sizes, all with differing degrees of success. Dissonance can be found in mainstream music as well as within the underground. While the underground scene tends to offer up more extreme examples of dissonance, in the end, they both attempt to accomplish the same goal. Two examples will be looked at: within mainstream music, Tool; within underground music, The Dillinger Escape Plan.

Tool has become a tremendously successful hard rock band in recent years. With numerous records under their belt, headlining a number of tours and having a number of tribute albums, they are by all means a successful band. While their aggressive style alienates much of the population (they are most popular with teenagers and twenty-somethings), they are popular within the group of listeners who prefer harder music. What sets apart Tool from much of the hard rock pack is not only their higher technical proficiency, but their lyrical content. More intelligent and reflective than most bands in the genre, many songs blatantly deal with modern culture and attempt to offer critiques of it. Take one of their songs, for example, which starts with a distant, distorted guitar, which is then accompanied by pounding drums shortly after. Maynard comes in abruptly with only slightly reserved, guttural bellows, singing: “I met a boy wearing Vans, 501s, and a dope Beatie T, nipple rings, and new tattoos that claimed he was OGT.” Immediately pointing to hypocrisy within people and their images, he goes on: “And in between sips of Coke / He told me / He thought we were selling out / Laying down / Sucking up / To the man.” This immediately paints a clear picture of the music scene of today, in which some listeners claim to be outside the process and accuse bands of selling out (essentially playing directly into the culture industry’s hands). Maynard adds a twist to the song, however, playing directly into the claim: “Well now I’ve got some advice for you little buddy / Before you point the finger / You should know I’m the man / And if I’m the man, then you’re the man / And he’s the man as well.” With this he draws lines that bound together the self-proclaimed elitist, the artist he claimed was selling out, and all of society. With that connection, he goes on: “All you know about me is what I sold you / I sold out long before you ever heard my name / I sold my soul to make a record / And you bought one.” With the connection between him and the rest of the world already established, they boldly claim that not only did they sell out long ago, but so has everyone else. To further implicate all of society, they end with: “All you read and / Wear or see and / Hear on TV / Is a product / Begging for your fatass dirty dollar / So shut up and / Buy my new record / Send me more money / Fuck you, buddy.” Maynard has essentially described the process of the culture industry and its effect on society, creating a circular flow of life in which people trade their life for money in order to obtain goods they have been indoctrinated to believe they need and that will make them happy. Throughout this entire song, the drums and guitars remaining driving and Maynard’s voice remains at a steady, angry growl. But does the critique succeed or fail? Surprisingly, it succeeds, much more so than is common, especially amongst popular music. Instead of claiming to be outside of the cycle he describes, Maynard fully recognizes he is a part of the cycle. By doing so, the critique becomes more than a standard condemnation, but a reflection on the state in which everyone lives. So often, a critique of society is short-sighted and limiting, attempting to exclude certain members of the society; by avoiding this, Tool has actually created a song that can successfully offer a critique of society. A success such as this leaves hope for popular music, and shows that, done properly, music of today can indeed offer a critique of culture.

The Dillinger Escape Plan offers another example within contemporary music. Unlike Tool, The Dillinger Escape Plan offer their critique in a more similar fashion to the avant-garde: through unbridled noise. Often described as jazz-infused hardcore or progressive metal or even “math-rock” for their complexity, these labels do little justice to the actual music. Extremely individualistic and sounding unlike any other band, they offer their critique through controlled chaos. Their record Calculating Infinity begins with a few scales played at an incredibly fast speed, only to explode moments later. The two guitarists play off each other, often employing classical elements within their music, and consistently using scales throughout the songs. The vocals are consistently brutal, offering little variety from a full-on, harsh scream. This only complements that chaotic feel offered through the music. Unlike avant-garde music, which tends to offer random noise, The Dillinger Escape Plan offers their chaos with the utmost precision. Whether this critique is successful is less clear: Although they take classical elements and add an abundance of controlled noise in such a fashion as to disgust listeners of most popular music, they do have a large following, and fall back into the cycle of the culture industry without recognizing it.

Critiquing society is not necessarily the only purpose of music; in fact, more often than not, this has been a secondary objective. While the Eroica Symphony is an example of how classical music may shock and horrify the public, most music was not orientated toward this goal. However, with the changes in society—from an aristocratic society to a democratic one—this role of music has grown in importance, so much so, that I contend it is of more importance than any other goal. Certainly there are elements of traditional music to be found sporadically throughout popular music (whether it be melody, harmony, etc.), but they are always also accompanied by the addition of noise. Most of this fails, simply following tired and true formulas of what listeners desire and what will make money; some do succeed in offering a critique of culture, but this is the exception and not the rule. Expecting music to follow the same formula it has in the past is erroneous, however, and should not be expected nor desired; the changes in culture necessitate changes within music. This has occurred, but the majority of music has simply become a means to profits instead of successfully completing its goals, whether it is offering a critique of culture or not. This music has become wholly corrupted.

V

The changes within culture have necessitated changes within music, but this cannot be used as a justification of all that has occurred within contemporary music. Certainly the importance of critical music has developed, but along with this has come music falsely offering a critique. The democracy of modernity, and the freedom it affords its citizens, has widened the spectrum of musical tastes, but it has also created a situation in which music is treated as a mere distraction to most. Along with this came the exploitation of consumers within the music industry (as well as other industries). Since the majority of listeners treated music as a distraction, lacking aesthetic training or the ability to appreciate traditional elements within music, the majority of music lowered its standards to cater to this group, creating easy, simplistic, and formulaic music. In this sense, aesthetic judgments have lost their place in much of society, instead desiring fair treatment over critiques: “This is the culture whose ‘political theology’ has been so carefully constructed…the culture in which ‘conceptions of the good’ belong to the private sphere, and the public sphere has no other business than to guarantee the fair treatment for everyone, without regard to private tastes.”(15) The entire popular music industry thus becomes “part of the ‘false consciousness’ with which capitalism distracts us from the truth of our condition.” It is simply an extension of the culture industry creating music purely for profits. And while diversity within music is necessary and desirable within a democratic framework, the pseudo individuality presented through the culture industry is anything but diverse. Popular music created in this sense is corrupted by our capitalistic system.

The listener of modernity differs from the listeners in the aristocracies before in their lack of aesthetic training. Beyond this, their excessive fixation on all that which the culture industry sells as meaning for their lives distracts the listener from the music and thus music is made for such a distracted listener. The “quick fix” music that is presented lacks much of traditionally important elements in music, but also lacks any sort of critical judgment of culture as it is simply a commodity within it. Offering the individual seeking individuation from her peer a pseudo solution through “alternative” music which is anything but alternative further corrupts music and its credibility. There are exceptions to this however, and some music does successfully critique culture. This offers some hope for a corrupted music industry, but these examples are becoming rarer.

All art faces this challenge of the culture industry and its attempts to commodify everything. In this sense, contemporary music can be no more corrupted than modern art in general. Even the forward-thinking avant-garde art falls to this process eventually. Thus the restrictions modern society has placed on music has applied to all aspects of life and it may be unfair to expect music to break from the pattern when nothing else has done so. And although the modern music industry may be corrupted, there are still examples of transcendence from these issues and examples of good music. Modern classical music offers all the traditional elements of music, while examples of successful critiques of culture can be seen elsewhere. The corruption in which music lies is a reflection of the corruption of our society as a whole; without change within culture, there is little chance for change amongst contemporary music.

Notes:
(1)Roger Scruton, “The Decline of Musical Culture,” Arguing About Art: Contemporary Philosophical Debates (New York: Routledge, 2002), 127.
(2)Scruton, 127.
(3)Georg Hegel, Introductory Lectures on Aesthetics, trans. Bernard Bosanquet (New York: Penguin Group, 1993), 13.
(4)Theodore Gracyk, “Music’s Worldly Uses, or How I Learned to Stop Worrying and to Love Led Zeppelin,” Arguing About Art: Contemporary Philosophical Debates (New York: Routledge, 2002), 144.
(5)Gracyk, 145.
(6)Gracyk, 145.
(7)Nick Smith, “Why Hardcore Goes Soft: Adorno, Japanese Noise, and the Extirpation of Dissonance,” Cultural Logic 2 (2002), 1.
(8)Max Horkheimer and Theodor Adorno, Dialectic of Enlightenment (New York: The Continuum Publishing Company, 1997), 154.
(9)Horkheimer and Adorno, 167.
(10)Scruton, 127.
(11)Scruton, 132.
(12)Scruton, 121.
(13)Scruton, 127.
(14)Gracyk, 144.
(15)Scruton, 127.

A R T E

2005-02-20T18:57:00.000Z

A Arte verdadeira é sempre subversiva. Tudo o resto é entretenimento.
LP

O Público e a Música Contemporânea I

2005-02-20T13:44:00.000Z

Este é um daqueles temas que são uma quasi aporia. A própria designação “música contemporânea” está esgotada. E no entanto quer apenas dizer actual, moderna ( “a de sempre” como dizia o Lopes Graça), enfim, música produzida hoje.

Comecei por delinear este post como resposta ao comentário do José Firmino do Conservatório de Música de Coimbra a este post, mas decidi publicá-lo por pensar ser este um tema de interesse mais generalizado.

É verdade que a música de Sciarrino, Feldman ou Lachenmann não enche estádios. Há, portanto, uma razão quantificável para não a programar. Esta música não é simplesmente rentável como é um concerto dos U2. Continuando esta lógica chegaríamos facilmente a Quim Barreiros. O que não é um argumento aceitável, suponho.

O mesmo argumento com que justifica a não-necessidade da música de Sciarrino volta-se contra si quando se fala, por exemplo, de uma ópera do “seu” Rossini - a ópera não é para todos e conheço muitas pessoas que também diriam que não estão para pagar milhões para uns quantos “privilegiados” irem a S. Carlos. Portanto, pôr o problema desta forma parece-me uma falácia para esconder uma outra questão.

É talvez necessário aceitar que esta música é uma música de minorias. É uma música que exige mais do ouvinte do que aquilo que é habitual ouvir num concerto de Debussy ou Poulenc. Exige mais não porque seja melhor ou pior, mas porque é diferente. E é esta diferença que é necessário ouvir. A condicão fundamental para tal é um mínimo de abertura àquilo que não se conhece. Sem isso, nada feito.

Se o destino destes compositores é ou não o esquecimento (suspeito não concordar consigo) não posso dizer que sim nem que não. Não sou nem profeta nem Deus. Posso apenas tentar dizer aquilo que há de novo na música deles. Mas para ouvir o novo é necessário escutar. Ouvir e viver.

Mas já agora, e uma vez que o senhor é professor (suponho) no Conservatório de Coimbra, ou seja, o seu salário é pago com dinheiro dos impostos, também tenho o direito de exigir que nas suas aulas não omita compositores segundo o gosto (o seu próprio) privando assim os alunos de uma parte do conhecimento que deveria transmitir mais ou menos imparcialmente (digo mais ou menos porque a absoluta imparcialidade não existe). É que a cada aluno deve ser dada a liberdade de decidir por si próprio. Caso contrário está a “cortar as pernas” aos alunos logo no início da sua formação.

Imagine o fascínio que não terá provocado ao jovem Debussy a audição de Tristão e Isolda em 1888… música estranha para a época, sem cadências, com melodias infinitas, grande como o Titanic...

A música destes autores não tem melodia. Mas tem outras coisas.

LP

Mais Sciarrino na WRD3

2005-02-19T10:20:00.000Z

19:00 (em Portugal)
* Salvatore Sciarrino
Variazione su uno spazio ricurvo (1990) für Klavier
Notturno n. 4 (1998) für Klavier
Sei capricci (1976) für Violine
Vagabonde blu (1998) für Akkordeon
Johann Sebastian Bach Toccata e Fuga elaborazione per flauto (1993)
Come vengono prodotti gli incantesimi? (1985) für Flöte
Polveri laterali (1997) für Klavier
Anamorfosi (1980) für Klavier
Carolin Anne Widmann - Violine, Teodoro Anzellotti - Akkordeon, Mario Caroli - Flöte, Pi-hsien Chen - Klavier

21:00
Salvatore Sciarrino
Sei quartetti brevi für Streichquartett / Esercizi di tre stili, altre elaborazioni da Domenico Scarlatti für Streichquartett, Deutsche Erstaufführung / Quartetto n. 7 für Streichquartett, Deutsche Erstaufführung
Pellegrini Quartett

Mozart e Rafaelo

2005-02-18T23:02:00.000Z

Foram duas pessoas mal compreendidas no seu tempo. Mas ambos têm em comum o facto de não terem a intenção de procurar o público, mas sim de modificá-lo.
Entrevista de S. Sciarrino à WDR3
LP

Coro

2005-02-18T16:40:00.000Z

A Mafalda envia-nos um poema de Neruda cuja actualidade é assutadora. O Berio utilizou alguns versos no seu “Coro”.

EXPLICO ALGUNAS COSAS

PREGUNTARÉIS: Y dónde están las lilas?
Y la metafísica cubierta de amapolas?
Y la lluvia que a menudo golpeaba
sus palabras llenándolas
de agujeros y pájaros?

Os voy a contar todo lo que me pasa.

Yo vivía en un barrio
de Madrid, con campanas,
con relojes, con árboles.

Desde allí se veía
el rostro seco de Castilla
como un océano de cuero.
Mi casa era llamada
la casa de las flores, porque por todas partes
estallaban geranios: era
una bella casa
con perros y chiquillos.
Raúl, te acuerdas?
Te acuerdas, Rafael?
Federico, te acuerdas
debajo de la tierra,
te acuerdas de mi casa con balcones en donde
la luz de junio ahogaba flores en tu boca?
Hermano, hermano!
Todo
eran grandes voces, sal de mercaderías,
aglomeraciones de pan palpitante,
mercados de mi barrio de Argüelles con su estatua
como un tintero pálido entre las merluzas:
el aceite llegaba a las cucharas,
un profundo latido
de pies y manos llenaba las calles,
metros, litros, esencia
aguda de la vida,
pescados hacinados,
contextura de techos con sol frío en el cual
la flecha se fatiga,
delirante marfil fino de las patatas,
tomates repetidos hasta el mar.

Y una mañana todo estaba ardiendo
y una mañana las hogueras
salían de la tierra
devorando seres,
y desde entonces fuego,
pólvora desde entonces,
y desde entonces sangre.
Bandidos con aviones y con moros,
bandidos con sortijas y duquesas,
bandidos con frailes negros bendiciendo
venían por el cielo a matar niños,
y por las calles la sangre de los niños
corría simplemente, como sangre de niños.

Chacales que el chacal rechazaría,
piedras que el cardo seco mordería escupiendo,
víboras que las víboras odiaran!

Frente a vosotros he visto la sangre
de España levantarse
para ahogaros en una sola ola
de orgullo y de cuchillos!

Generales
traidores:
mirad mi casa muerta,
mirad España rota:
pero de cada casa muerta sale metal ardiendo
en vez de flores,
pero de cada hueco de España
sale España,
pero de cada niño muerto sale un fusil con ojos,
pero de cada crimen nacen balas
que os hallarán un día el sitio
del corazón.

Preguntaréis por qué su poesía
no nos habla del sueño, de las hojas,
de los grandes volcanes de su país natal?

Venid a ver la sangre por las calles,
venid a ver
la sangre por las calles,
venid a ver la sangre
por las calles!

LP

Noite Sciarrino

2005-02-18T16:21:00.001Z

Para quem tem Internet rápida aqui fica uma sugestão: Na rádio WDR hoje à noite em directo da Kölner Philharmonie em Colónia, dois concertos dedicados a Salvatorre Sciarrino. Obras raras de ouvir. Obras para orquestra, entre elas uma estreia, e a obra para 4 Saxofones solistas e 100 saxofones "móveis".

http://www.wdr.de/radio/radiohome/programm/

19:00 (em Portugal)(actualizado)

* Salvatore Sciarrrino Efebo con Radio (1981) für Stimme und Orchester DE
* Salvatore Sciarrrino Storie di altre Storie (2004) für Akkordeon und Orchester UA
* Salvatore Sciarrrino Autoritratto nella notte (1982) für Orchester

23:00
* Salvatore Sciarrino La bocca, i piedi, il suono (1997) für vier Saxophonsolisten und 100 "bewegliche" Saxophone DE

LP

erudito/popular

2005-02-16T19:56:00.000Z

Se tivesse que escolher entre os Doors e Dostojewski claro que escolheria Dostojewski. Mas será que tenho de escolher?
Susan Sontag
LP

Coisa terceira - decomposição

2005-02-14T22:18:00.000Z

Eu não queria acreditar no que li no Domingo de manhã no blog tonalatonal do Sérgio Azevedo. O SA passou-se. A sério. O post tem o título „Forever Martinu“ – entretanto corrigido, acho que fez bem, porque da forma como aquilo lá estava... Mas mesmo em tom mais moderado, há coisas às quais vale a pena dar maior eco. São revelações. Senão vejamos:

1) As miniaturas de Webern passam a ser “minúsculos rebuçadinhos atonais”. É deveras interessante de constatar como a dicotomia tonal/atonal está (ainda) no centro da discussão musical.

2) As peças de Cage passam a ser “bricolages experimentais” e o 4’33’’ “o maior bluff da história da música”. Ponto final. Está tudo dito. Tudo justificado.

3) Continuando: Martinu, o compositor injustiçado pelos que escrevem as histórias da música, “o grande génio”. Esta é para mim a maior revelação de todas.

4) Para concluir que "o Bolero de Ravel é [conceptualmente] mil vezes mais interessante (é um enorme crescendo...), muito anterior em termos de data de composição e, claro, muito superior em termos do resultado musical“. Aqui começa-se a perceber. Ficámos a saber que SA é detentor do critério absoluto – o musical - com que compara Cage a Ravel. Uma vez possuído pelo critério com que revela a verdade a conclusão é simples: Ravel é mil vezes melhor que Cage.

Gostos todos temos, mas dizer isto,... não sei, se calhar sou eu que estou deslocado.

LP

Coisa segunda - delírio/loucura

2005-02-14T22:16:00.000Z

Não é muito interessante, nem importante, nem fundamental, mas é daquelas coisas a que não consigo ficar indiferente, sob pena do silêncio me associar secretamente àquilo que não quero. Por isso a coisa terceira.
LP

Coisa primeira - a confissão

2005-02-13T12:31:00.000Z

A verdade, é que os decompositores deste blog são totalmente incapazes de escrever duas linhas de html, e claro, demasiado preguiçosos para perder um hora que seja a ler o manual. Razão pela qual a habitual secção de links é inexistente no decompor. Para dar a volta ao problema, seguem-se alguns blogs de amigos e conhecidos. Outros seguir-se-ão.

http://hauptundneben.blogspot.com/ o blog do César sobre muitas cousas.
http://musicoblogo.blogspot.com um blog a seguir com atenção de João Pedro d'Alvarenga. A musicologia em geral e a música portuguesa.
e claro já todos conhecem o
http://contemporaneas.blogspot.com da Teresa Cascudo

(Enquanto não resolvemos este pequeno problema, pedimos aos leitores do decompor que façam o favor de imaginar a tal coluna do lado esquerdo – ou direito, como quiserem – com os respectivos links. Obrigado)

LP

5 dias!!

2005-02-13T12:29:00.000Z

depois de 5 dias sem actualizar o blog, o regresso com a consciência de ter feito algo de útil. Na blogosfera musical – sítio por onde o decompor por vezes se move – há muitas coisas interessantes, revelações, e muito, muito para rir. Lá iremos. Post-a-post.
LP

2:20'

2005-02-13T02:20:00.000Z

o que é música?
o que é boa música?
o que é compor?
o que é compor bem?
haverá espaço para tudo o que há para dizer?
haverá alguma coisa a dizer?
haverá quem leia?
haverá quem oiça?
haverá quem leia mesmo?
haverá quem oiça mesmo?
haverá quem responda?
haverá quem responda mesmo?
isso será importante?
isto é um blog: só se vê o monitor.

TC